昨晚 7 點，韓國名導洪常秀的新作《#引言》，在 #台北電影節 的唯一放映場次順利完成，今日最新出爐的觀眾票選獎則未入前 20 名榜單，從外觀察這場觀眾應該對於《引言》不甚滿意。
不過，從去年的《逃亡的女人》到今年的《引言》，洪常秀的作品連續兩年在北影亮相，且幾乎皆以秒殺姿態完售。然而影展搶票的魅力常常未能延燒至商業院線，使得洪常秀的作品在台灣票房仍不盡理想。因此本篇文章替《引言》暖暖身，在剛放映結束、院線之前，聊聊這部我認為還是相當有趣的洪常秀作品。
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若有關注歐洲三大影展，便會發現今年 10 月底將滿 61 歲的洪常秀，連續兩年在柏林影展悄悄地拿到大獎，2020 年《逃亡的女人》收下最佳導演、2021 年《引言》獲頒最佳劇本獎，若再算上 2017 年《獨自在夜晚的海邊》金珉禧的柏林影后，這是洪常秀的作品 5 年內 3 度在柏林有所斬獲，而洪常秀今年 7 月再憑藉新片《在你面前》前往坎城影展放映，這名正值花甲的韓國導演，創作能量仍不見消散。
洪常秀早期鏡頭下的角色，或男或女，幾乎皆在燒酒中酩酊大醉地探尋愛情的多變姿態，到了洪常秀的後期創作，則能發現咖啡逐步取代了燒酒，比起一醉解千愁，透過漆黑咖啡的苦口醒腦，似乎更能理解人類慾望之本質，如「愛情」這道在洪氏電影中常見的母題。
而在這些作品當中，得以窺見洪常秀經常將觀點置於兩性間擺盪，不過，仔細思量當中趨近於「日常對話」的台詞與人物關係時，不難發現，片子更多時候是以男性本能質問人性，或許更可以這樣理解，洪常秀的男性視野幾乎皆以女性為軸轉動，再透過女性具備的某種功能性，進一步讓男性在懷疑、困惑中爬梳脈絡，並試圖找到救贖。
不過，在《逃亡的女人》中幾乎是以一種全然的女性觀點敘事，男性在片中基本上完全缺席，似一種幽魂藏匿於身後，並讓女性掌握積極的主動性，從這點來看，《逃亡的女人》為洪常秀更明確轉身勾勒女性所思所想的提問。
正以為洪常秀在爾後創作生涯要持續朝向「女性」視角挖掘時，新作《引言》就反向回望男性自身狀態，透過一名心思極其敏感的青年，展開對愛情、家庭、創作等哲思對話。而雖然《引言》與《逃亡的女人》有著不同性別的敘事主角，但在結構上類似，皆分成三段敘事，觀眾就此跟隨角色走入日常生活。
對於不熟稔洪常秀的觀眾而言，《引言》或許會顯得有些跳躍式的鬆散，在還沒正式沈浸於故事之前，僅 66 分鐘片長的電影便嘎然而止，留下一地問號。
然而，對於洪常秀的影迷而言，在三段結構中拼湊人物關係會是趣味盎然的體驗，看似凌亂的劇本結構，散落一地的日常，皆在洪常秀靈動、隨性的鏡頭中凝結成獨樹一幟地拼貼肖像，數種排列組合都能各自解讀成戲，且洪常秀近年喜好採用低對比度的黑白拍攝，更加強了其詩意質地。
《引言》在技法上也仍能窺見洪常秀的作者印記，招牌古典的鏡頭焦距變化，從定鏡的中景縮移至近景特寫，老派地在重要時刻提醒觀眾睜著眼珠子瞧仔細，在典型的鏡頭語言之中，仍能有效遞予角色情緒，強調當下的重要性。
例如《引言》第三章，同時也是全片最重要的餐桌戲，經驗豐富的老演員（奇周峰 飾）幾杯燒酒下肚後，厲聲赤責年輕演員（申錫鎬 飾），怒吼而道：「無論真心還是演戲，愛就是愛，愛是如此珍貴美麗，何錯之有？」這句台詞便搭配特寫鏡頭凸顯，全片題旨核心便震響而出——「虛實間的愛情觀」。
《引言》的劇本聰明地將戲中角色的職業身份設定為「演員」，演員上戲時的情感、下戲時的生活，當中投入的情感是否真能拆分，是否就是虛偽？《引言》就在真假、虛實疊合的雙重邊界中，透過兩代演員間的對話，激盪出戲劇張力，並引領觀眾思索愛情的本質，然而，洪常秀做到的就僅是拋問，全片最終對於愛情仍無解答，或者說，本就無力對愛情的複雜性做出定論。
而再從上述這句台詞後設地來看，奇周峰在洪常秀的電影宇宙中幾乎成了某種「代言人」的角色，因此這場戲或許就能視作洪常秀的「肺腑之言」，不過，此台詞是否鏡射了洪常秀的私人生活不得而知，但總是影迷們另一種的解讀樂趣。
可能讀者也發現，《引言》中再度透過燒酒、餐桌的閒談，體現洪常秀的男人愛情心事。至於本片三段敘事結構中，角色所喝的飲品也成為堆疊張力的道具。此次洪常秀不喝咖啡，改以雙和茶入戲。
第一、第二章節在雙和茶滋補調和的特性中做敘事鋪陳，年輕演員的浪漫、恣意的愛情觀便在閒聊之中緩緩塑造而出，申錫鎬能在抽菸的吞雲吐霧中，突然擁抱藕斷絲連的前任對象；也能秒瞬間從韓國遠赴柏林，只為見上女友一面，也正是這樣的率性衝動，快速浮載了愛情的價值觀，因此，申錫鎬在歷經分手之後的迷惘，進一步對於演戲／現實產生的「虛實」困惑，也才有了第三章兩代演員間的對話。
最終，《引言》的收尾來到海灘（海也是近年洪常秀喜歡作收尾的場域），洪常秀則再度透過剪輯的特性，於非線性的時間軸上虛晃一招，讓角色遊走在現實、夢境的恍惚狀態，因此觀眾很難透過時間的指向性確認所謂虛與實，申錫鎬與女友的分合狀態以及內心處境，就成了本片最後一層待各自解讀的符旨。
至於男性對愛情的百般思緒，就在白紋浪濤之中化為無盡神殤，角色與觀眾能做的，僅僅是漫步於冰冷刺骨的汪洋中，任寒意侵襲，徒留疑問。
解讀洪常秀，很難僅看過其一部電影就完成論述，建議觀賞新作之前補上舊作，相互對照觀看，就能產生更多樂趣。而我認為，洪常秀的創作步入此階段，儼然已臻至完熟，藝術、影像等創作內化成不可或缺的自身生活，走入一座城市，手持一台攝影機，就俯拾起生活哲思，鏡頭是他的筆，寫下對愛情／生活的念想看法。
然而，無論是假戲還是真做，或許愛就是愛，是美麗的；人生又或似夢，如不曾停歇的浪潮，起起落落。
🎬《引言》將由【可樂電影 Cola Films】在台發行。
衝組票房 在 [超負雷]尷尬到死的《衝組》鄭文堂你給我進來！ - 看板movie 的推薦與評價
好了，導演你可以滾了。
魯者我是一位閃靈粉絲，知道《衝組》終於要上映的時候，
實在難掩興奮心情，儘管對於電影的笑點不抱太大期待，
只覺得能在電影院看到閃靈演出，就已經是很享受的一件事。
但我完全沒想到《衝組》電影的整體呈現素質，
竟然可以低落到如此令人髮指的程度！！！
整部電影大部分的橋段，都令我坐立難安、煩躁不已，
無時無刻都有一股衝動想要從戲廳奪門而出，
因為這部電影不但沒有資格稱為喜劇，甚至連鬧劇都不配，
《衝組》說穿了就是一部四不像的尷尬影視作品。
我記得大概在九年前吧，
那陣子「G.I.JOE」配音團隊的作品在Youtube竄起，
當年紅到整個團隊被邀請去上電台廣播節目，
而那集節目主持人剛好就是Freedy跟鄭宜農。
我印象很深，那天鄭宜農對「G.I.JOE」團隊說了一段話：
「欸，我爸(鄭文堂)看到你們配音的那些影片之後，
他說他不想拍戲了，乾脆也來跟著拍惡搞影片好了！」
九年的光陰過去了，我必須對鄭文堂導演說：
抱歉，你並沒有拍惡搞影片的天分，
整部《衝組》的笑點都比不上「G.I.JOE」的任何一部短片。
並不是把拍小品、拍連續劇的鏡頭放著，
然後加入一些導演自以為幽默的笑料進去，
它就會變成喜劇好嗎？！
喜劇可是要連構圖、剪接、節奏感都要具有喜劇的元素，
呈現出來的效果才會真正有深刻笑點，
這些元素在《衝組》電影裡蕩然無存，
使得一堆場面顯得尷尬、冷場，而且令觀眾不知所措，
既沒有要逗你發笑的意思，也沒有什麼弦外之音要傳達，
整個畫面就晾在那邊，讓人坐立難安。
要用一句話來歸納的話，那就是：
鄭文堂導演，你根本不懂怎麼拍喜劇啊！！！
相信我，連《血觀音》中廖隊長的滷肉飯口味衛生紙，
都比整部《衝組》還要好笑，你們就知道這部片有多難笑了。
好，做為一部喜劇既然不好笑就算了，
(事實上一部不好笑的喜劇，就已經是失敗的作品)
那總有一些閃靈音樂和政治上的內涵要表達吧，
最起碼能夠讓台灣觀眾認識一下什麼是黑金屬、死腔。
基本上我覺得這是電影宣揚閃靈音樂理念的大好機會，
像是黑金屬的歷史源流來自於北歐信仰，
由於基督教強勢入侵北歐當地，幾乎消滅了原本的信仰，
一群反基督教的音樂人便創立黑金屬樂團，
用金屬樂歌頌撒旦崇拜，用來對抗基督教的強權。
那麼這跟台灣和閃靈有什麼關係呢？
台灣信基督教的人口原本就不佔多數，
閃靈究竟該如何用黑金屬來結合台灣的歷史背景呢？
一個外來的殖民強權，消滅本地的一切文化，
大家有沒有覺得很熟悉？幹，阿不就是KMT！
於是來自北歐的黑金屬和台灣的政治歷史背景完全呼應了，
成為了閃靈作品裡源源不絕的憤怒與血肉，
頻頻在國際舞台用爆裂嘶吼為台灣發聲。
這也能解釋為什麼閃靈立場會站在自由台灣這邊，
而不是站在市場廣大的獨裁中國那邊，
即使不是閃靈粉絲的觀眾，也可以馬上瞭解來龍去脈。
然後以上我講的這些，《衝組》電影裡完全隻字未提，
而且還以一種很低俗的方式在呈現黑金屬的表演精神，
我身為閃靈迷看了內心不僅感到非常不舒服，
甚至還覺得覽趴一股火快要燒起來。
電影裡如何呈現死腔？
就是叫一個蔡昌憲莫名其妙，毫無情感在那邊瞎吼一通，
活像個滑稽的跳樑小丑，讓人誤以為閃靈死忠歌迷都會是這德行。
更超過的，就是讓冰果室的妹仔練習用死腔來送餐，
請問用死腔聲音唸出紅豆和薏仁究竟有什麼意義？！
然後鄭文堂你竟然還覺得這種橋段的設計是有趣、好笑的？
實在是令人髮指。
不禁讓我懷疑，拍攝《衝組》的鄭文堂導演，
本人該不會完全不懂金屬樂的內涵吧？
這忍不住就讓人想起拍《混混天團》卻對網友怒吼：
「你再給我說一遍屍妝試試看！」的某錢姓導演，
根本就沒做好音樂類型相關的功課，卻要拍攝樂團喜劇電影？
你他媽喜劇都已經拍得不好笑了，
連音樂本質都可以搞砸到底是他媽的想怎樣啦？！
蔡昌憲一開始練團在那邊瞎吼的那首歌叫〈尼可拉斯〉，
講的是明清之際大批福建移民，冒著生命危險渡過黑水溝，
來台灣開墾新天地，然後成為台灣人祖先的故事，
「尼可拉斯」是鄭芝龍為了跟葡萄牙人做生意所取的洋名，
閃靈使用這個有特殊涵義的名字當成歌曲名稱，
做為那時代的象徵，來紀念第一批在台灣奮鬥的祖先們。
「離開無情無義的土地 阮甘願來去海上流浪
相信海無絕人之路 惡夢總會消失無蹤」
如此動人的歌曲，卻在蔡昌憲的瞎吼瞎叫下顯得尷尬無比，
簡直活生生糟蹋了閃靈的作品，
而且電影裡蔡昌憲的亂叫次數非常頻繁，
經常是無意義無情緒的那種為吼而吼，
看了實在令人不禁緊握拳頭疑惑：
「你到底是演一個閃靈死忠歌迷，還是在演一個低能白癡？」
畢竟自己身為閃靈歌迷，卻看到電影演員是用這種方式來演繹，
既不好笑也沒音樂內涵，還試圖用一種滑稽的形式取悅觀眾，
我覺得這真的非常非常不OK，
搞得我都不知道這部片究竟是在傳達閃靈理念，還是在黑閃靈？
更可怕的可能，那就是連導演都搞不清楚電影確切的理念。
而死腔的部分，怎麼可以用戲謔的賣冰方式來呈現呢？
為什麼金屬樂主唱不好好唱歌，卻要用歇斯底里怒吼的方式？
當殖民者到你的家園到處開槍、抓人就殺，
當獨裁者一聲令下就要滅絕你們本地的所有文化，
當你家鄉的歷史記憶被遮掩、被竄改、被連根拔起，
這時你能夠不憤怒嗎！你能不瘋狂嘶吼嗎！
鄭文堂導演你真的用心去瞭解過金屬樂嗎？
執導過《燦爛時光》的你，不可能不知道台灣的歷史，
既然《衝組》電影本身已經不避諱政治本身，
那為何你還可以用如此無聊當有趣的形式來呈現死腔？
閃靈的死腔不該拿來賣冰，
閃靈的死腔是代表台灣人歷史中的極度憤怒！
或許我所失望的，不只是喜劇不好笑這件事，
而是整部電影傳達出來的效果，與閃靈的音樂精神完全違背。
我知道一部電影裡要設計笑點很困難，
但不代表你可以把閃靈的音樂元素當成笑點，
蠢，並不代表好笑。
阿咧講了半天原因可能就是鄭文堂真的不會拍喜劇，我拷。
種種破綻百出的問題，我想都指向一個原因：
「到底要把《衝組》定位成什麼樣的一部電影？」
一部闔家觀賞的音樂喜劇？那就得真的很流暢很好笑。
一部純粹粉絲取向的電影？那就給我滿滿的樂團成員演出。
(可以參考前陣子乃木坂46的《薙刀社青春日記》，成員演好演滿)
一部探討政治議題的劇情片？那就認真點，不要多餘嘻皮笑臉。
《衝組》電影看來具備以上全部的元素，
但拼拼湊湊起來就是一團垃圾廢渣，什麼都不是！
橋段難笑、劇情亂七八糟、成員演出戲份可有可無、
就連政治議題也只用說教式的台詞敷衍帶過，缺乏深入刻劃。
包龍星好歹也是衝進去白吃白喝被抓包，
才被迫加入妓院這個大家庭做苦工還債；
而蔡昌憲只是因為在歌迷活動和大家打了一架，
竟然就被邀請到閃靈團隊上班了，這到底是什麼狗屁不通劇情！
而閃靈成員在電影裡對於劇情到底起了什麼作用？
按照電影橋段的安排，閃靈團員們有沒有親自露面介入，
似乎根本就沒有差別啊！
Doris在劇中的角色讓助理或經紀人來當，好像也沒有影響；
Freddy出現在蔡昌憲夢中的表現，還比現實中亮眼；
小黑只要出場就是宿醉狀態，功能只是陪蔡昌憲去釣蝦；
丹尼只會沉默、小捲只會當吃貨。
請問這樣的戲份表現，究竟有沒有必要請成員本人來演出？
閃靈粉絲們想要買票進場看成員們演戲，
卻只看到蔡昌憲不斷拿著麥克風對著空氣耍猴戲，
如此《衝組》也無法算是一部粉絲取向電影呀！
鄭文堂你到底想怎樣啦？！
還不如乾脆拍一部閃靈的巡迴演唱會紀錄片，
順便拍攝一下成員們對音樂創作的概念與心路歷程，
輔以一些對於台灣政治時事的見解，
再比照AKB48紀錄片模式在院線上映，
搞不好還比較像樣咧！
最後我只想說：
鄭文堂，不要以為你在無聊的電影畫面裡加一些花俏小動畫，
它就會變得幽默有趣好嗎？
一塊牛肉乾放在ㄆㄨㄣ上面，它也不會變成牛肉麵啦！
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